Primeras impresiones

No termino de aprender.

Las primeras impresiones nunca suelen ser acertadas. Quizás porque están demasiado condicionadas por estereotipos, o por la situación, por el paisaje, por el contexto. ¡Yo qué sé!

El caso es que anoche, volví a sufrir el síndrome de la "primera impresión", esta vez en el último concierto del ciclo Jazz en la calle que, como todos los años, se celebra bajo el cielo salmantino en las preciosas y, este año, fresquitas noches del verano.

El de anoche era un concierto esperado por muchos de los que hemos acudido a cada uno de los conciertos del ciclo en el "incomparable marco" de los Jardines de Santo Domingo, con las Catedrales salmantinas iluminando el cielo y requiriendo nuestra mirada mientras la música inundaba los jardines.

Era, sí, uno de los platos fuertes del ciclo. El pianista argentino Federico Lechner, acompañado del también argentino, Franco Luciani a la armónica, el zaragozano, Toño Miguel al contrabajo y el uruguayo, Andrés Litwin, a la batería.

Y yo llegué, aterrizando de mi viaje por las nubes, descolocada, desubicada y un poco perdida. Además, me senté en el lugar equivocado de los jardines. Un lugar de paso y trasiego de gente que se iba incorporando poco a poco al concierto y que no permitía la atención que, los cuatro componentes del magnífico cuarteto requerían. A punto estuve de marcharme y menos mal que el destino de la noche me concedió la suerte de cambiar de lugar y me permitió concentrarme en lo que sucedía en ese escenario, porque ¡qué magnífico concierto tuvimos la oportunidad de disfrutar!

Las manos del Federico Lechner recorrían el teclado del piano como si las teclas fueran de terciopelo, el sonido claro, brillante, limpio, intenso y la fuerza del alma del pianista bonaerense.

La boca del armonicista, Franco Luciani, sacaba sonidos casi imposibles de una armónica cromática, mientras nos ponía la carne de gallina con sus versiones de clásicos argentinos, y esta fue también una de las riquezas de este concierto, salirnos de los temas clásicos y de los viejos estándares del jazz norteamericanos, para descubrir que más allá de aquel país, también hay jazz y que hay grandes temas de la música popular de otros países que pueden ser versionados de una forma apasionante, llena de matices y con un valor incalculable.

El caso es que Luciani me trajo a la cabeza al español Antonio Serrano y su armónica en aquel concierto con el, también argentino, Daniel Godfrid en el auditorio de Fonseca, hace unos años, del que todavía no me he repuesto.

El batería uruguayo Andrés Litwin, nos demostró que la batería puede ser un instrumento delicado y lleno de formas sutiles y con capacidades delicadamente armónicas.

Mientras el bajista Toño Miguel nos contaba su propia historia a través de su bajo eléctrico en la que puede presumir de haber tocado con los más grandes del jazz contemporáneo (Paquito D’Rivera, Jerry González, Pedro Iturralde, Ximo Tébar, Perico Sambeat, Horacio Icasto y Bob Sands, entre otros)

Había una comunión intensa en el escenario. Los cuatro músicos concentrados en lo suyo y en comunicación directa, intensa e íntima con los otros tres, y eso es algo que enseguida se percibe en el jazz. La sintonía del grupo, la complicidad, el guiño. Los cuatro estaban jugando al mismo juego, en el mismo sitio, a la misma hora y con objetivos idénticos.

Y lo consiguieron, claro. Lograron crear un climax, un instante mágico, una isla en medio de una ciudad, un momento irrepetible y una cola de más de 60 o 70 personas para adquirir uno de sus discos -en un momento en el que los discos se venden tan poco- deseosas de prolongar la magia, de alargar la belleza, de mantener la isla.

Hoy, mientras escribo esto, escucho aquello.

¡Qué pena si me hubiera dejado llevar por aquella primera impresión!

Os dejo con dos de los temas de anoche: "La Zamba de Lozano" y el bis que hicieron solos Lechner y Luciani después de una larguisima y calurosa ovación: "El día que me quieras"

Un sentimental viaje sonoro al París de los años 40

Anoche, dentro de la programación musical de la 17 Feria Muncipal del Libro Antiguo y de Ocasión de Salamanca, tuvimos el agradable placer de escuchar a un grupo leonés: 3 Gatos Swing.

Concebido como un grupo de carácter abierto, 3 Gatos SwinG constituye un paso más en el proyecto de integración de la música de jazz con otras músicas de raíz, trabajo que desde hace algunos años vienen realizando los músicos leoneses Alfredo R. Vidal y Juanjo Alonso: jazz latino con el grupo Yayabo, colaboraciones con la cantante saharahui Aziza Brahim, el guitarrista de flamenco Bandín, el violinista serbio Vlado Vulic, la violinista manouche Mónica Acevedo y otras experiencias.

Con el acordeonista Eli Quartier, uno de los escasos especialistas de vals musette en nuestro país, el grupo presenta un repertorio de este género: valses parisinos y javas de grandes compositores como Gus Viseur, Jo Privat, Murena y otros: "Sous le ciel de Paris", "Reine de musettes", "La java manouche", “Le vals del niglots” etc. El repertorio incorpora también temas de música swing, el jazz manouche de músicos como Django Reinhardt, Tchavolo Schmitt, Fapy Lafertin y composiciones propias. Jazz para escuchar y bailar.
“Recuperar para el swing su carácter original de ser una música para oír y para bailar” es el lema que motiva todos sus conciertos.

La factoría gatuna se completa con la reciente incorporación del batería Benni Wellenbeck, un joven músico de sólida formación y gran sensibilidad que viene desarrollando su labor en Europa y Estados Unidos.

Interpretes: Eli Quartier, acordeón, Juanjo Alonso, contrabajo, Benni Wellenbeck, batería, Alfredo R. Vidal, guitarra.

Un viaje por las nubes

Duró poco más de una hora, pero seguro que el espectáculo Cello Solo, del violonchelista francés Matthieu Saglio permanecerá, en todos los que tuvimos el placer de escucharle ayer, durante mucho tiempo en nuestro corazón, nuestros oidos y nuestra piel.

Cello Solo es el magnífico resultado de la experiencia de este música francés, afincado en Valencia, en el que se combinan la tradición clásica con sonidos y ritmos adquiridos en sus viajes alrededor del mundo. En sus composiciones, retumban los ecos de las catedrales occidentales y de los souks del Maghreb, del tango latinoamericano y del flamenco ibérico.

El violonchelo de Matthieu nos transporta de un lugar a otro como si viajáramos en una nube, creando sonidos a veces tan sorprendentes que cortan la respiración y ponen, literalmente, los pelos de punta.

No hay nada de improvisacion en este espectáculo. Todo está medido, estudiado, trabajado al máximo. Ni siquiera las pequeñas y magníficas intervenciones de Emilio Garrido, el conocido locutor de Radio Nacional de España-Radio3, aquel del desafortunadamente desaparecido programa: "La Bañera de Ulises", que con su voz grave y aterciopelada recita textos extraídos de su novela “Aire de Fuga” (Efecto Violeta Ediciones, 2009).

Un violonchelo y una voz. Aunque parezca que hay mucho más sobre el escenario. La magia del sampler permite a Matthieu Saglio grabarse en directo para crear un diálogo consigo mismo y crear la magia de estar escuchando varios instrumentos a la vez.

El repertorio es variado y cada tema está elegido con exquisito cuidado. No hay despistes en el público. Un tema nos lleva a otro. Dos suites de Bach para abrir y cerrar y, en medio, un viaje sonoro a través de las composiciones de Matthieu, interpretado todo con gran virtuosismo del que el compositor no hace alarde. Domina la técnica ¡y cómo! pero la pone al servicio de la música, nunca al revés.

No hay aplausos entre tema y tema. Todo está concebido como un viaje único en el que sólo, al terminar el concierto, somos conscientes de haber llegado a un destino.

Cierta inmortalidad

No es muy frecuente, en esta pequeña ciudad, poder disfrutar de un magnífico concierto de música clásica, como el que hemos tenido la gran suerte de vivir esta noche.

En el escenario la London Symphony Orchestra. Sí, esa a la que todos los que nos hemos visto los 6 episodios de la Guerra de las Galaxias, habíamos escuchado interpretando su banda sonora.

Al frente de la orquesta, uno de los directores jóvenes más interesantes del panorama musical en la actualidad: Daniel Harding.

Y un repertorio en Do mayor de 3 autores fascinantes: Sibelius, Mozart y Schumann.

La colocación de los miembros de la orquesta, como correspondía al programa, a la alemana (violines a derecha e izquierda y violonchelos y violas en el centro).

Y una de las mejores pianistas intérprete de repertorios clásicos: Imogen Cooper, como solista en el concierto para piano y orquesta nº25 en Do Mayor de Mozart.

2 horas y media para un concierto -propina incluída (¿era el Vals triste de Sibelius?)-que podía haber durado todo el tiempo del mundo.

Nadie se removió en su asiento, no hubo bajas de público en la segunda parte (la mejor prueba de fuego) y la gente aplaudíamos como si estuviéramos en las nubes (¿es que no estábamos?).

A los 26 violines, 9 violas, 8 violonchelos, 6 contrabajos, 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagots, 5 trompas, 4 trompetas, 3 trombones, tuba y percusión, no se les va una nota. Afinan a la perfección y ponen el alma en cada movimiento.

Destacar la interpretacion del concertino (Tomo Keller), del primer violonchelo (Cyrille Lacrouts), de Fanny Maselli (fagot) y el primer flauta (Gareth Davies). Destacar por destacar, porque nadie era menos que nadie en el escenario.

La entrada de Imogen Cooper, seguida del director fue espectacular. Como una diosa se sentó delante del piano y esperó, con la cabeza erguida y expresivos movimientos en la cara, a que la orquesta acabara la fanfarria del primer movimiento, para dedicarnos un piano lleno de emoción y sensibilidad.

No sé si alguien pudo apartar los ojos de ella el tiempo que duró la obra. A la salida los comentarios me hicieron pensar que no.

No sé si alguien puede poner una sola pega a este concierto. Lo dudo.

Sea como sea, yo he disfrutado como hacía mucho que ninguna de las orquestas que han pasado en los últimos años por aquí, me han hecho disfrutar.

Hoy, por unos instantes, me he sentido, de alguna manera, inmortal.

Buenos músicos

Hace ya 2 años, escribí sobre un joven acordeonista portugués, Joao Gentil y el magnífico concierto que dio, junto al batería Luis Formiga, en la Plaza Mayor de Salamanca. Hace 2 meses, y en los conciertos programados para la Feria del Libro, el duo portugués volvió a ofrecer un recital de 2 horas y media, que puso al público en danza -literalmente- y en el que, hasta un "espontáneo" turista ruso subió a cantar un kasachov entonado y potente.


Pero hoy quiero hablar de otro acordeonista: Iñaki Diéguez, un acordeonista de Irún, al que escuché, por primera vez junto al contrabajista Ritxi Salaberría y el batería Igor Telletxea, presentando en la Plaza de los Bandos de Salamanca, su último disco: Crossing time, en noviembre del año pasado, y volví a escuchar, al frente del grupo folk Ghatusain en la Plaza Mayor esta primavera.


Iñaki Diéguez comienza sus estudios de Acordeón con 9 años con el profesor A.M. Belio. En 1988, termina 2º en el “Gran Prix Internacional de France”. En 1993, termina sus estudios superiores de Acordeón en el Conservatorio Superior de Música de San Sebastián con Sobresaliente y Mención de Honor. El mismo año consigue primeros premios nacionales e internacionales. Ha dado conciertos como solista en varios países y ha actuado con Orquestas Sinfónicas.


Después de una carrera como músico clásico se centra en el Jazz, el Folk y en otro tipo de músicas y producciones. Ha tocado con su grupo “Ghatusain” en importantes festivales. Participa en giras con Gontzal Mendibil, Pantxoa ta Peio, Peio Servielle, etc, y estrena junto con el “Ars ensemble” de Joan Valent el Ballet-Teatro “Troya sXXI”, con artistas como Ángela Molina, Rafael Amargo, Niño Josele,… además de participar en la Banda Sonora de la película “20 cm”, de Ramón Salazar, con música de Pascal Gaigne.

Ha producido 3 CD de Acordeón clásico y ha participado en una veintena de discos de diferentes artistas.


"Crossing time" es una apuesta arriesgada y que funciona desde la primera vez que lo escuchas.Jazz- flamenco-ezpatadantza-jotas-tangos. Temas clásicos de Astor Piazzolla o Richard Galliano, junto con temas compuestos por el propio Iñaki.

Además tienen un directo fascinante en el que transmiten toda la fuerza y la pasión necesarias para hacernos disfrutar de verdad. Hay honestidad, creatividad, un trabajo de grupo excelente y unos buenos profesionales que se toman muy en serio su trabajo a la vez que disfrutan mucho haciéndolo.
Si tenéis oportunidad no os los perdáis. Merecen, y mucho, la pena.

Lo que sigue a continuación es un tema compuesto por Iñaki "Begi Ttikiak" (Ojos pequeños).

Gilberto Gil

El de anoche fue un concierto que me permitió descubrir que Brasil ¡sigue existiendo!..
Y de qué manera!!!!

La Plaza Mayor vibraba a ritmo del reggae brasileño de ese hombre, vestido de blanco, de piel oscura y rastas plateadas.
Es una auténtica estrella y lo sabe. Es cálido, cercano, generoso, humano y buen comunicador. Y además Ministro de Cultura de su país.

Defiende causas que parecen no interesar a nadie: el libre acceso a la cultura, la cultura al alcance de todos. Por eso dicen de él que practica la ética "Hacker". Frente a los que arguyen en contra de este proceso los riesgos de la piratería, Gil comenta que "cuando Edison, inventor del cine, registró la patente de su invención en la costa este de EEUU, algunos creadores escaparon al monopolio que pretendía emigrando a California. Aquellos primeros ‘piratas’ fueron los fundadores de Hollywood".

Llenó de calor, color y sabor la noche salmantina. Sambas de las distintas regiones del Brasil, clásicos como "La chica de Ipanema", temas de Bob Marley o de los Beatles, algunas viejas canciones de su primera época...

Y muchos compatriotas animando con sus bailes la plaza, coreando sus canciones, enarbolando banderas de ese magnífico país que, a pesar de los pesares, sigue existiendo.

Y de qué manera!!!

Torero

Llegó, venció y convenció.

Vestido de torero, en uno de esos guiños de humor que le caracterizan, apareció puntual en el escenario, se sentó delante de su piano y empezó a interpretar cada uno de esos temas que muchos conocemos, con la garganta de adolescente al que aún no se le ha formado la voz.

La Plaza Mayor se llenó hasta más de la mitad de su aforo. Adolescentes norteamericanos, de visita de estudios en Salamanca, coreaban cada canción y reían a carcajadas las intervenciones entre tema y tema, del canadiense.

Del piano a la guitarra y de la guitarra al piano, solo,en un escenario que parecía reducirse a medida que avanzaba el concierto, para convertirse en el salón de su casa, o en un pequeño bar de suburbio.

Y se lanzó al ruedo, arriesgando temas que parecían imposibles en ese lugar, temas íntimos, casi susurros. Acercándose y alejándose, encandilando al público, mientras acariciaba el piano como si estuviera tocando un Nocturno de Chopin .

Rufus Wainwright es un atrevido que ha llegado en el momento preciso al lugar exacto.
No es un gran cantante, sí un gran intérprete, compositor y sobre todo un entusiasta de lo que hace. Y eso se nota.
Se nota el trabajo bien hecho, la experimentación, el riesgo, la innovación y que detrás de todo eso hay un chico inteligente que sabe muy bien lo que quiere y lo que queremos o deberíamos querer.
Eché de menos a sus músicos. Hubiera sido otra cosa. Pero se me pasó muy deprisa la hora y media que duró el concierto.
Eché de menos alguno de los temas de Leonard Cohen, que interpretaba en la película homenaje al autor: "I'm your man".
Pero me conformé con verle tan de cerca, con escuchar el Alleluja o Cigarettes and chocolates milk.
Con descubrir que es de carne y hueso y no sólo el fruto de un sueño de una noche de verano.

Por fin...

Hoy, a las 23.30 h. en la Plaza Mayor de Salamanca

rufus wainwright

Genialidad

No fue un concierto al uso.

Durante casi 2 horas tuvimos el inmenso placer de disfrutar de uno de los mejores conciertos de jazz a los que he tenido la ocasión de asistir en los últimos años en Salamanca.

Sobre el escenario, el gran Antonio Serrano, sacando notas y armonías que parecían imposibles de una armónica que formaba parte de sus labios, de sus manos,de su cuerpo. Una armónica que sonaba como un bandoneón, en un homenaje maravilloso al gran Astor Piazzola.

Y no estaba solo el armonicista madrileño. A su lado otros 2 genios: Javier Colina al contrabajo y José Reinoso al piano.

Yo creo que se olvidaron de nosotros, del público o quizás porque estábamos allí, y se dedicaron a disfrutar y, de paso hacernos volar a nosotros, de cada una de los temas que abordaron con pasión, virtuosismo, body and soul...

La gente aplaudía incansable cada intervención de los 3 y ovacionaban, silbaban y gritaban al término de cada tema.

Casi 2 horas... difícil tanta generosidad en cualquier concierto de jazz hoy día, en los que los músicos racanean hasta los 5 minutos de un bis una vez pasada la hora reglamentaria.

¿De dónde saca Serrano esa fuerza de la armónica? ¿De dónde Javier Colina, el veterano contrabajista navarro, ese camaleónico contrabajo capaz de sonar como una guitarra española o un cajón flamenco? ¿de dónde el uruguayo José Reinoso esos dedos, recorriendo el teclado, acariciando los sonidos, imprimiendo la tristeza y la alegría, el dolor y la nostalgia de los mejores tangos de Piazzola?

Me gustó mucho también el momento íntimo de armónica y piano o la explosión del paseo que se dieron por las melodías más conocidas y marchosas de América del sur -ay ese sur-
Y me gustó la comunicación y la complicidad que se respiraba entre ellos - la sonrisa de Reinoso ante las "travesuras" que improvisaba Serrano, los secretos al oído, las miradas que decían que entre ellos había mucho más que un concierto.

La batería -no recuerdo el nombre del batería que sustituyó a Guillermo McGuill (anunciado en el programa)- estuvo correcta. No hizo alardes, supongo que consciente de lo que se cocía en el escenario, pero acompañó mucho y bien, incluso tuvo un bis a bis con la armónica que no desfraudó en absoluto.

Un pedazo concierto, si señor. De esos que se recuerdan siempre. En una noche cálida de casi primavera. Será difícil repetir en breve esta experiencia.

Birelli Lagrene

Tiene algo de Jack Nicholson en su forma de levantar la cabeza o de sonreir... Tal vez sea la boca. Esa boca un poco burlona e irónica del actor americano.
Pero lo que realmente fascina de él son sus manos. Dedos que acarician la guitarra, que la recorren, que buscan lugares sin explorar. Dedos capaces de arrancar sonidos de no se sabe donde. Lagrene tiene el alma, o lo que sea, en los dedos.
El escenario: El patio chico de la Catedral de Salamanca en una magnífica noche de verano con el cielo cuajados de estrellas que intuimos y cigüeñas que revolotean al ritmo de los acorde de la guitarra de Birelli.
Birelli es el mejor discípulo de Django Reinhart en la actualidad. El guitarrista gitano nació en Alsacia en 1966 y con once años era capaz de reproducir fielmente todos los solos de Reinhart. Lagrène ha actuado junto a John McLaughlin, Paco de Lucía, Miroslav Vitous, Larry Coryell y la orquesta de Gil Evans, entre otros, pero fue el bajista Jaco Pastorious quien le indujo a una revolución personal.
La vuelta a sus raíces se produjo en 1990 con la grabación de su disco Acoustic Moments y tres años después recibió el premio de Django D'or como mejor músico francés de jazz.
Tenerle en Salamanca, presentando su "Gypsy Project", bajo estrellas y cigüeñas, en el Patio chico de la Catedral Vieja fue un lujo al alcance de unos cuantos privilegiados.