La semana pasada fui a ver la última película del director francés Robert Guédiguian ("Marius y Jeanette", "La villa está tranquila", "Marie Jo y sus dos amores"...)

El título me traía aires nostálgicos de aquella película de 1953 dirigida por Henry King y 

protagonizada por Gregory Peck y Ava Gardner: Las nieves del Kilimanjaro.

Pero la película de Guédiguian, no tiene nada que ver con la de King. El director francés vuelve a hacer gala de su compromiso con la moral contemporánea, realizando una película intuitiva, personal, inteligente y coherente.

Guédiguian se inspira en un breve poema de Victor Hugo -La gente pobre- para dar una vuelta de tuerca a su tradicional realismo social y plasmar una serena autocrí­tica a su definido discurso político. No es que el cineasta haya dejado atrás su militan­cia y su cercanía a los postulados del socialismo. Están todos... pero de otra forma. La cinta refleja la simpatía del realizador con la actitud de los sindicatos, la defensa de los trabajadores y la lucha contra las injusticias. Sin embargo, como hace reconocer a los personajes, “todo esto no basta”.

Y en este sentido, la película respira y vue­la mucho más alto que el cine social de Ken Loach, Tavernier y el propio Gué­di­guian. El director traspasa la barrera de la denuncia para dibujar una conmovedora gale­ría de tipos humanos y convertirse -como el poe­ma de Victor Hugo- en un canto a la solidaridad. 

Desde un postulado mucho más humanista que político, la película habla del amor, de la necesidad de perdonar, de la importan­cia de ponerse en el papel del otro y con­tiene un revolucionario mensaje: ante la crisis económica más que soluciones polí­ticas necesitamos respuestas humanas, y más que en los gobiernos la llave está en las personas.

Salí del cine, salimos, con la impresión de que ya no volveríamos a ser los mismos que habíamos entrado una hora antes.

Con la impresión de haber visto una película honesta, bien dirigida, excelentemente interpretada. Una película que nos ha conmovido en lo más hondo, llena de sensibilidad, de pequeños detalles, y de gestos más allá de las palabras y en la que los silencios están llenos de los gritos de todos.

Miércoles de cine: Somewhere

“Somewhere” es una historia intimista que transcurre hoy en día en Los Ángeles. Johnny Marco es un actor de primera línea con perfil de chico malo, que tropieza por una vida llena de excesos. Vive en el legendario hotel Chateau Marmont de Hollywood, se pasea en su Ferrari y sus días son una neblina de alcohol, mujeres y fans. Arropado en esta celebridad inducida por un mundo artificial, Johnny ha perdido todo sentido de su verdadero ser. Hasta que un día, su hija de 11 años, Cleo, fruto de su fracasado matrimonio, se presenta en el hotel inesperadamente y comienza a ser su ancla con la realidad. Sus encuentros hacen que se enfrente a la cuestión de dónde se encuentra en su vida y a la pregunta que todos debemos afrontar: ¿qué camino tomarás en ella?

Coppola vuelve a la soledad y el encierro a través de una semántica mínima, de cámara cuya principal novedad aquí es la de apostar por un feísmo como contrapunto al colorismo casi kitsch de su anterior trabajo. Y en el cambio hay una postura implícita: retratar con frialdad, disimulado desagrado el cosmos hollywoodiense y sus tediosas rutinas. También, una simplificación igual de tediosa y de rutinaria: el reduccionismo del retrato de la industria a una rueda de prensa de sonrojantes preguntas, al vagabundeo hotelero de un actor erosionado por sus propios excesos y angustiado ante la perspectiva repentina de una existencia en el abismo de una inmensa nada.

La película se encuentra reducida prácticamente a dos personajes y todo el peso recae en el actor Stephen Dorff, quien está prácticamente presente en cada plano del filme. Los paralelismos entre su personaje y la carrera real del intérprete son evidentes y aunque su presencia no es memorable, sí es un recordatorio de que es un actor muchas veces infravalorado. 

“Somewhere” es también la película que ha permitido descubrir definitivamente a Elle Fanning, hermana pequeña de la joven actriz Dakota Fanning y que hace un papel admirable con sus 12 años.

Resaltar también la Banda sonora original de la película que, como ocurre habitualmente con Sofía Coppola, es un auténtico placer

En el cine

TÍTULO	Cisne negro / Black Swan
AÑO	2010
DURACIÓN	103 min.
PAÍS
DIRECTOR	Darren Aronofsky
GUIÓN	John McLaughlin, Mark Heyman
MÚSICA	Clint Mansell
FOTOGRAFÍA	Matthew Libatique
REPARTO	Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey, Christopher Gartin, Sebastian Stan
PREMIOS	2010: 1 Oscar: Mejor Actriz (Natalie Portman). 5 nominaciones, incluyendo mejor película 2010: 1 Globo de Oro: Mejor Actriz (Portman). 4 Nominaciones, incluyendo mejor película 2010: 1 BAFTA: Mejor Actriz (Portman). 12 nominaciones, incluyendo mejor película 2010: Festival de Venecia: Mejor actriz o actor joven (Mila Kunis)  2010: 4 Independent Spirit Awards: mejor película, director, actriz (Portman) y fotografía 2010: Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo director y actriz principal (Portman)
GÉNERO	Drama psicológico. Thriller psicológico. Ballet No he conseguido apartar mis ojos de la pantalla ni un sólo segundo, apenas he podido respirar en varias ocasiones. Me ha parecido original y absurda, espectacular y exagerada, angustiosa y pasada de rosca. Me ha confundido, me ha emocionado, me ha inquietado, me ha sorprendido, me ha alucinado. La interpretación de Natalie Portman me ha parecido a veces exagerada y excesivamente dramática, otras me ha conmovido. Quedan hilos sueltos en este ejercicio cinematográfico sensual, morboso y angustioso. ¿Volvería a verla? Quizás no. ¿La recomiendo? Sí, sin dudarlo

Más allá de la vida

Ya, ya lo sé.

Conozco mi debilidad por Clint Eastwood como director y mi pasión por muchas de sus películas que, aunque no necesitadas de defensa alguna, he defendido apasionadamente ante aquellos dispuestos a no encontrarles nada aceptable.

Cazador blanco, corazón negro, Los puentes de Madison, Mystic River, Million Dolar Baby, Banderas de nuestros padres, Gran Torino o Invictus, han sido películas que no me han dejado indiferente y que me han confirmado la calidad profesional y humana de este hombre, además de su excelente gusto musical y su inmensa capacidad para dirigir actores.

Por eso sé que, con este comentario de la película que vi anoche, su última película, "Más allá de la vida", me la juego más que nunca con aquellos que me atribuyen esa pasión injustificada por el director norteamericano.

Pero es que, aunque con algo de desconcierto, la película me gustó.

En ningún caso me parece que este sea "el sexto sentido" de Eastwood. Tampoco que sea un cuento de muertos ("en ocasiones veo muertos"), ni de fantasmas al uso. Lo que vi ayer, fue un relato, profundamente conmovedor de la relación que, muchos de nosotros, tenemos con la muerte.

Lo que vi en esta película fue un relato elegante en el que la melancolía va dejando espacio al optimismo más sincero. Un melodrama adulto, sobrio y nada efectista.

Son tres las historias en Más allá de la vida, y tres los protagonistas principales: Marie (Cécile de France), una periodista francesa que vive una experiencia cercana a la muerte tras ser engullida por un tsunami, George Lonegan (Matt Damon) un médium americano convencido de que lo suyo no es un don sino una desdicha y Marcus (Frankie McLaren, un niño que pierde a su hermano gemelo en un accidente y que no se resigna a su pérdida.

La figura del escritor Charles Dickens está presente en toda la película hasta el punto que, a veces, parece un homenaje al autor inglés, a sus paisajes, a sus personajes.

George Lonegan es un admirador de Dickens y nos lo hace saber durante las dos horas que dura el film, plagado además de pequeños detalles que confirman este aspecto dickensiano del film.

Los personajes parecen sacados de alguna de las obras del autor y la obsesión que muestran hacia la muerte y sus efectos paranormales, parecen extraídos de la propia biografía de Dickens.

Quizás sea un poco larga sí. Dos horas son demasiado para algo que Eastwood podía habernos contado en 90 minutos. Hay situaciones y personajes superfluos que no aportan nada a la historia (el hermano de Lonegan o el "cliente" al que hace una "lectura" después de muchos años).

Pero también hay momentos magistrales - el de Lonegan con su compañera del curso de cocina italiana en una degustación a ciegas, por poner un ejemplo- que nos recuerdan que detrás de esta historia, está la mano y la mirada de uno de los grandes directores de nuestra época, que ha sabido hacer un relato lleno de dignidad de un tema que podría, fácilmente, haber derivado en la cursilería o en el dramatismo más sensiblero.

Sentidos y sensibilidad

Ayer vi una película que me gustó mucho, muchísimo. "Estómago" ópera prima de Marcos Jorge.

La cinta recibió la Espiga de Oro por decisión unánime del jurado internacional en la pasada edición del Festival de Cine de Valladolid y tiene a la gastronomía como hilo conductor aunque es en realidad una sátira a favor de la dignidad y en contra de la desigualdad social.

Los personajes, especialmente el protagonista, son primitivos y muy divertidos y la comida, los sabores, los olores, están siempre presentes en cada escena.

Tuvimos la suerte de verla en versión original (brasileño) y, también, la suerte de coincidir un grupo de amigas/os quienes después de salir del cine, imbuidos por la magia de lo que habíamos visto, recalamos en un bar pequeño, cuyo cocinero parecía uno de los personajes del film, quién nos preparó unas exquisitas tostadas preparadas con profesionalidad y mimo. La tertulia, en torno a una mesa, las tostadas y buenos vinos duró hasta más allá de la madrugada.

Es lo que tiene el buen cine. Que despierta todos los sentidos.

Esta es la sinopsis:

Raimundo Nonato llega a la gran ciudad con la esperanza de conseguir una vida que le permita, en el mismo día, comer y cenar. Consigue trabajo en un bar y allí descubre su talento innato para la cocina y, con sus coxinhas, transforma el lugar en un local de éxito. Giovanni, dueño de un conocido restaurante italiano, intuye las dotes de cocinero de Nonato y cambia su vida al contratarlo como ayudante de cocina. Así se inicia para Nonato el descubrimiento de la cocina italiana, de las recetas, los sabores y, cómo no, del vino. La vida de Nonato cambia y empieza a afirmarse socialmente: una casa, ropa, nuevas relaciones y, sobre todo, el amor de una mujer, Iria, una prostituta de buen apetito, con la que establece un ancestral intercambio de sexo por comida.

Mujeres

Veo, casi seguidas, dos películas del cineasta colombiano Rodrigo García: "Nueve vidas" (2005) y "Madres e hijas" (2010).

En ambas, la mujer,las mujeres son las protagonistas absolutas. En ambas, las mujeres se enfrentan a su pasado, luchan su presente o se preparan para un futuro más o menos cercano, arrastrando cargas emocionales.

"Nueve vidas" es la historia de 9 mujeres de diferentes personalidades y formas de vida, pero todas se encuentran en una encrucijada, en un momento en que se abren ante ellas varias posibilidades de elegir entre lo que tienen y lo que desean.

"Madres e hijas" es un drama centrado en 3 mujeres -aunque aparecen muchas más alrededor- y sus principales relaciones amorosas con sus parejas pero, sobre todo, con sus hijas.

Las interpretaciones de Naomi Watts, Annette Bening y Kerry Washington, son soberbias y dan fuerza a momentos, ya de por sí, de gran intensidad dramática. Hay algunos clichés y algunas soluciones parecen un tanto forzadas, pero así y todo resulta una película de exquisita sensibilidad y muy real.

Me ha impresionado la gran capacidad de este director, al que he seguido fielmente en series como "En terapia" y "A dos metros bajo tierra", para mostrarnos el alma de la mujer y sus estados emocionales.

Pero hoy...

Vuelvo a ver en pantalla grande Bienvenido Mr. Marshall, la excelente película de Berlanga que, cada vez que la veo (con intervalos largos de tiempo), mejora más y más.

Divertida -el cine entero riendo a carcajadas- pero también amarga, irónica, tierna, onírica, excelentemente planteada, con un magnífico trabajo de actores- inolvidable Pepe Isbert y Manolo Morán-

Llena de escenas maravillosas -la del tractor que cae del cielo y que se aleja por el camino con el paracaídas desplegado, es inolvidable.

He disfrutado cada diálogo, cada escena. He disfrutado con la voz de Fernán-Gómez narrando la película como si fuera un cuento y con la de Lolita Sevilla en el papel de la tonadillera Carmen Vargas. He disfrutado con cada preparativo de la "gran" visita, con la escenografía andaluza que montan para el evento, con el discurso del alcalde desde el balcón del Ayuntamiento repitiendo una y otra vez: "Como alcalde vuestro que soy os debo una explicación, y esa explicación os la voy a dar porque os la debo"

Y cada vez me asombra más como pudo sobrevivir a la censura de la época, como logró, bajo ese aspecto de comedia, engañar a los censores una película tan crítica, tan ácida con los poderes fácticos, y la situación política y social de aquellos años (1952).

Una historia triste que, sólo maestros como Berlanga, consiguen convertir en una divertidísima comedia.

Abrazos rotos

Después de obtener el Premio de la Crítica de Estados Unidos, veo, por segunda vez, Los abrazos rotos -la última película de Pedro Almodóvar, buscando qué es lo que hace que la película haya tenido tal éxito en los EE.UU y haya estado nominada para premios europeos y españoles.

Y sigo sin encontrarlo.

Sigo sin creerme nada. Ni el argumento: lleno de altibajos, ni la interpretación del elenco de actores: fría e insustancial (salvando ciertos momentos de Blanca Portillo y la pequeñísima, divertida y genial aparición de Carmen Machi).

La película me sigue pareciendo larguísima, aburrida, increíble, fría e, incluso a veces, lamentable. Una despliegue de géneros: drama, suspense, comedia, acción que me hacen pensar que se quiere hacer de todo para no hacer nada.

No queda nada en ella de ese genio que fue Almodóvar y que tanto prometía hace años. Por el contrario tengo la sensación de que el director ha decidido vivir de las rentas de su fama y se permite el lujo de hacer películas (en La mala educación ya se lo permitió) sin ton ni son.

Ni Lluís Homar, ni Penélope Cruz, ni su historia de amor, consiguen cautivarme en ningún momento. No transmiten la pasión que se suponen viven y su relación sólo provoca en mí indiferencia e incredulidad.

Pero tampoco me creo las actuaciones de los personajes secundarios en los que se nos presentan dramas que luego son resueltos de forma pueril.

En fin, que perdí el tiempo de nuevo -la culpa la tengo yo- intentando buscar lo que no se puede encontrar, en donde no hay (al menos, claro está, para mi).

Días de libros y fiebre

Considerado como uno de los mejores escritores en lengua alemana de las últimas décadas, Peter Handke es un hombre polifacético (autor de novela, teatro, ensayos, director de cine...), que además se involucra activamente en actividades políticas y sociales, denunciando injusticias y apoyando causas humanitarias.

Los libros que he leído de él, los he escogido -casi siempre-por sus títulos que suelen ser muy sugerentes y que podrían contar una historia, ya, por sí mismos:

• El miedo del portero ante el penalty, Madrid, Alfaguara, 2006
  
• Carta breve para un largo adiós, Madrid, Alianza, 2006
• Desgracia impeorable, Madrid, Alianza, 1989
• Cuando desear todavía era útil, Barcelona, Tusquets, 1978
• El momento de la sensación verdadera, Madrid, Alfaguara, 2006
• Pero yo vivo solamente en los intersticios, Barcelona, Gedisa, 1990.
• En una noche oscura salí de mi casa sosegada, Madrid, Alianza, 2000

Anoche, acurrucada en esta gripe que me he pillado, y que me mantiene postrada en la cama, volví a ver la película de Wenders "El cielo sobre Berlín", en la que Peter Handke colaboró como guionista.
Disfruté tanto viéndola que me bajó la fiebre. En serio.

Alicia en el País de las Maravillas

Un pequeño recorrido (hay muchas más versiones) de Alicia en el País de las Maravillas en cine:

1903
Esta película, procedente del UK's National Film Archive, es la primera adaptación cinematográfica que se hizo del libro de Lewis Carroll.


1933


1949


1951


2010